Revisión del volumen 8 del período azul • Anime UK News

PAISAJE URBANO

«¿Qué es lo que quieres expresar a través de Shibuya?»

Yatora todavía está tratando de adaptarse a los desafíos de sobrevivir el primer año en la Universidad de las Artes de Tokio (TUA). Su primera tarea no salió bien, y el personal docente está decidido a desafiar a los estudiantes a pensar y crear fuera de sus zonas de confort. La segunda tarea debería ser perfecta para él: el paisaje de Tokio. Dado que fue su deseo de representar el distrito de Shibuya de Tokio al amanecer lo que primero lo hizo querer crear su propio arte, seguramente este tema debería inspirarlo. Pero todavía está luchando porque todas sus ideas preconcebidas se han desmoronado por las evaluaciones críticas de su trabajo por parte de los maestros, y ahora está perdido. Y las dos piezas, una pintura, la otra un modelo, que se les ha pedido que produzcan deben ser evaluadas formalmente. “Las técnicas y el conocimiento son armas poderosas, pero si te vuelves demasiado codicioso o los usas mal, tu arte se volverá confuso”. Solo ahora recuerda algunos consejos que le dio Ooba-sensei cuando estaba solicitando la TUA… y solo ahora comienza a tener sentido.

Sin embargo, tan pronto como los estudiantes llegan a las vacaciones de verano, se enteran de que deben participar en ‘Geisai’, el festival cultural de la TUA, y se dividen en tres grupos para hacer un mikoshi o santuario portátil, además de diseñar abrigos felices. para usar como los altares portátiles que se llevan por las calles; el tercer grupo es diseñar un puesto de comida. El tema de este año es Los tres monos sabios («No veas el mal, No digas el mal, No escuches el mal»). Yatora se encuentra en el equipo de mikoshi, liderado por Miki Kinemi, la joven de buen corazón a quien se conoció cuando ella accidentalmente derribó su espejo en el examen de ingreso. Con solo un mes para crear el santuario, tienen una enorme tarea por delante, trabajando al aire libre en el calor sofocante de un verano en Tokio. ¿Serán capaces de completar la tarea a tiempo para el festival?

Si tuviera preocupaciones que Periodo azul iba a perder su impulso, después de habernos mostrado a Yatora logrando su objetivo de ingresar a la Universidad de Artes de Tokio (TUA), este volumen me ha asegurado que no tenía que haberme preocupado. Uno de los puntos fuertes de Tsubasa Yamaguchi es la capacidad de crear personajes tridimensionales que a los lectores nos resultan tan fascinantes y exasperantes como a Yatora. Aquí nos encontramos con un montón de personajes nuevos, o personajes que solo hemos vislumbrado brevemente antes, ya que los estudiantes de primer año se ven obligados a trabajar juntos para el festival cultural durante un verano sofocante. Y debido a que los dibujos de Yamaguchi son tan distintivos, somos absorbidos, como Yatora, por todos los pequeños dramas y crisis que surgen cuando reúnes a un grupo de artistas prometedores y ves si pueden cooperar en un proyecto para crear algo juntos. El aspecto de tres equipos compitiendo trae nuevas fortalezas y forja nuevas amistades inesperadas.

Entonces, lejos de quedarse sin fuerza en el octavo volumen, Periodo azul está encontrando nuevos desafíos para el protagonista principal, Yatora, y es genial verlo crecer y madurar. En esta etapa, es imposible saber a dónde lo llevará su arte, pero es un viaje fascinante con el que cualquier persona que haya estudiado arte (u otras materias artísticas) puede identificarse. Cuando incluso el prodigio Yotasuke murmura para sí mismo: «¿Necesito una razón para cada cosa que pinto?» podemos encontrar mucho con lo que simpatizar cuando los de primer año intentan descubrir qué es lo que los impulsa a hacer su arte, y luego entregan dos piezas, una en 3D y la otra en óleo sobre lienzo. Después de todo el agonizante examen de conciencia de Yatora, finalmente se le ocurre una solución ingeniosa e impredecible para la tarea establecida.

Hay una gran historia adicional al final de este volumen, que muestra a los estudiantes de primer año en una excursión de bocetos de dos noches y tres días, que incluye una visita a una fábrica de lienzos con sus tres maestros. Esto culmina en un concurso de preparación de curry entre los tres grupos con algunos… resultados sorprendentes (después de todo, son estudiantes de arte, por lo que nunca iban a crear curry convencional). Y las cuatro tiras de 4-koma al final nos presentan a algunos de los nuevos amigos de Yatora: Kenji Hachiro; Yakumo Murai; Ayano Aizawa y Momoyo Kakinokizaka.

Este octavo volumen de Periodo azul de Kodansha está nuevamente traducido muy hábilmente por Ajani Oloye y se lee bien. Lamentablemente, no hay imágenes en color, aunque el arte de la portada y la contraportada son excelentes y las páginas de inicio del mangaka son tan ingeniosas y divertidas como en los otros volúmenes. El volumen 9 ya debería estar disponible, aunque los retrasos continúan con las ediciones físicas. Con todo, este volumen ofrece otra mirada fascinante a la vida de un grupo de jóvenes artistas, que intentan realizar sus sueños y convertirse en lo mejor que pueden ser en los campos elegidos.

Revisión de INU-OH • Noticias de Anime UK

Conocido por su distintivo estilo excéntrico que ha producido éxitos a partir de la extravagancia de Juego mental a la diversión familiar para sentirse bien de Lu sobre el muroMasaaki Yuasa ahora dirige su atención a las páginas de la historia con esta adaptación de la novela de Hideo Furukawa de 2017, Cuentos de Heike: INU-OH.

Ambientada 300 años después de la Guerra Genpei, la batalla por el control de Japón entre los clanes Minamoto/Genji y Taira, la película sigue la vida de dos personajes distintos que se unen por frustraciones compartidas con el status quo.

Después de ser atado a la búsqueda del gobierno controlador de las insignias imperiales para demostrar su derecho a gobernar Japón, la vida del joven Tomona da un vuelco después de que su padre encuentra y, sin saberlo, libera el poder de la espada sagrada, Kusanagi-no-Tsurugi, cortándose a sí mismo. por la mitad y dejando ciego a Tomona. Atormentado por el fantasma de su padre, Tomona emprende un viaje para vengarlo, pero termina chocando con un biwa ambulante ciego. Tomado bajo el ala del jugador de biwa como su aprendiz, Tomona viaja a la capital y se une a la compañía principal allí, interpretando canciones aprobadas por el gobierno que cuentan los Cuentos de Heike.

Es aquí en la capital donde conoce a Inu-Oh, un talentoso pero luchador actor de teatro Noh que no solo tiene horribles deformidades después de haber sido afligido por una maldición, sino que también está poseído por los fantasmas de los guerreros Heike caídos. Como Tomona es ciego, no puede ver las deformidades de Inu-Oh como todos los demás, por lo que los dos se unen rápidamente y se hacen amigos. Después de enterarse de los espíritus que persiguen a su amigo y ambos frustrados por su falta de libertad para mostrar sus talentos, Tomona e Inu-Oh forman un nuevo grupo de actuación para contar las historias de esos espíritus, lo que puede ayudar a liberar a Inu-Oh. de su maldición.

Si bien la historia central de esta película es bastante simple, siendo una historia de pobreza a riqueza de dos personajes poco probables que se convierten en las estrellas de rock de su época, en realidad hay una sorprendente cantidad de profundidad en sus temas, que tocan los acontecimientos sociales y políticos. en ese momento, además de explorar elementos fantásticos con espíritus y maldiciones. Si te gusta la historia, los mitos y las leyendas de Japón, encontrarás particularmente fascinante la parte inicial de la película, ya que se desarrolla en ese contexto específico, sin embargo, se desvanece para dar paso a la esencia real de la historia, que se trata más de las situaciones oprimidas en las que se encuentran nuestros dos protagonistas. La forma en que se representan será fácil de identificar, ya que se pueden aplicar en gran medida a la actualidad, con un ángulo anti-establecimiento lanzado en el fondo como el control. El gobierno de Genji discute con los medios y las artes para que solo cuenten su versión de la historia, mientras que los tipos creativos seguramente podrán simpatizar con esa lucha para ganar una audiencia que realmente aprecie lo que está tratando de hacer. Recuerda mucho a los años 60 y 70 con el surgimiento de bandas de punk rock anarquista y de contracultura como The Sex Pistols, en las que la película parece estar realmente inspirada.

También hay un ángulo más brillante al transmitir el mensaje de poder hacer lo que quieres y alcanzar tus sueños, y creo que la película lo transmite muy bien a través de la forma en que los personajes principales son retratados y desarrollados a lo largo de la historia. . Llevarlos a ambos de ser estos individuos oprimidos a superestrellas absolutas es un placer verlos por sí solos, pero también les da muchos giros a medida que pasan por ciertos eventos, creando un dúo complejo que, al final, son completamente irreconocibles de quienes eran al principio.

La contrapartida es que los personajes secundarios de la película no son ni la mitad de interesantes, a pesar de que son los principales motores de la trama. El padre de Inu-Oh y el shogun gobernante, Yoshimitsu Ashikaga, interpretan a los villanos de cada uno de nuestros protagonistas principales y los atacan como era de esperar y tienen una caracterización bastante unidimensional.

Sin embargo, donde la película brilla absolutamente es en sus imágenes y, en particular, en su audio, ya que, mi palabra, este es un tour de force sensorial. Yuasa siempre se ha centrado mucho en la música a lo largo de su trabajo, pero mucho de eso palidece en comparación con inu-oh, donde las canciones interpretadas por Tomona e Inu-Oh combinan instrumentos tradicionales y un estilo de canto con teatro de ópera rock completo, llenos de tambores, guitarras resplandecientes y conjuntos elaborados que se vuelven más y más locos con cada interpretación. Puede parecer extraño colocar un sonido tan moderno en lo que es una película de fantasía histórica, pero logra unirse de una manera muy satisfactoria al ver a la gente de la ciudad pasar por el equivalente a la Beatlemanía por estos dos artistas excéntricos. Sin embargo, falla en lo que respecta al ritmo, ya que la segunda actuación en particular se prolonga demasiado, mientras que cuando llega la tercera, la configuración en sí se siente demasiado formulista.

Si bien estas actuaciones se tratan como los aspectos más destacados, el resto de la película también está increíblemente bien animado y dibujado, lo que realmente logra ese aspecto único de Yuasa y Science SARU. Hay algunos momentos realmente artísticos, particularmente al principio, ya que trata de retratar la falta de vista de Tomona y la dependencia del sonido al lanzar tomas de blanco que están pintadas con colores vibrantes mientras otros personajes a su alrededor hablan o se mueven. Es simplemente una gran representación visual de los sentidos de Tomona y realmente te ayuda a entrar en la mente del personaje. Mientras tanto lleva a través de 14el Japón del siglo XX muy bien, con un fantástico arte de fondo y un escenario que representa de manera realista cómo podría haber sido la vida en Kioto en ese momento.

Fuera de las grandes actuaciones, la partitura de Yoshide Otomo funciona fantásticamente con el escenario, llena de instrumentos tradicionales pero también trabajando en tonos modernos más sutiles para reflejar la relevancia actual de la historia. La actuación de voz a lo largo de la película también es muy buena, y los dos protagonistas realmente cumplen con sus actuaciones, considerando su falta de experiencia con el anime. Mirai Moriyama tiene que lidiar con un personaje que cambia significativamente de tono a lo largo de la película, pero que realmente se mantiene y se esfuerza al máximo en las presentaciones de las actuaciones de Inu-Oh en particular.

General, inu-oh es una experiencia audiovisual estelar que debe experimentarse en la pantalla grande por su hermosa y artística animación, así como por su teatralidad de ópera rock que lleva a casa una historia que destaca no solo el valor de perseguir sus sueños, sino que ofrece una muy interesante mensaje social y político que realmente te hace pensar y empatizar con los personajes y la situación en la que se encuentran. Si bien estos factores la marcan como una de las películas más sólidas de Yuasa y Science SARU hasta la fecha, todavía no es del todo perfecta, con problemas en cómo marca el ritmo de algunos de sus segmentos musicales y la falta de caracterización interesante de los villanos de la pieza.

© 2021 Socios cinematográficos de “INU-OH”

INU-OH se proyectará en cines de todo el Reino Unido desde el 28el de septiembremientras que los asistentes a la etapa de Glasgow de Scotland Loves Anime pueden ver la película allí junto con una sesión de preguntas y respuestas con el propio director.

Lobo y Red GN – Revisión

Parece haber cierta confusión sobre el título de este libro. Mi copia de revisión está etiquetada lobo y rojocon el inglés en la portada leyendo lobo y pequeño licenciado en Derecho Capucha roja. Eso es un poco extraño, pero luego la página de derechos de autor vuelve a etiquetar la historia: El lobo y el señor Caperucita Roja. Todos ellos funcionan y transmiten que se trata de una colección de licenciado en Derecho cuentos de hadas con cambio de género, pero parece que alguien, en algún momento, debería haber tomado una decisión clara al respecto.

Afortunadamente, ese es el único problema de traducción real con este volumen y, de hecho, el creador Kotaru Kobayashi hace un excelente trabajo satirizando los cuentos de hadas que usan en virtud de cierta familiaridad real con el tema. Las joyas de la colección en este frente son las versiones de Hans Christian Andersenel cuento de hadas literario La reina de la Nieve y el cuento popular japonés Montaña Kachi-Kachi. Este último definitivamente se siente como el más inteligente de los recuentos. Si no estás familiarizado con él, Montaña Kachi-Kachi cuenta la historia de un tanuki que aterroriza a un anciano, culminando con él matando y cocinando a la esposa del hombre y alimentándolo con una sopa hecha con su carne, a la árbol de enebro. El anciano solicita la ayuda de un conejo, que se ocupa del tanuki y finalmente lo ahoga después de arrojarlo al agua en un bote de barro seco. (Y ayudando a asegurar su muerte mediante la aplicación juiciosa de su remo en la cabeza del tanuki). En la versión de Kobayashi, el tanuki no es malvado sino desafortunado, y se hace amigo de la anciana, a quien encuentra en su baño. Ella le pide que le prepare una sopa, y él tiene la brillante idea de usar el agua de su baño como base, por lo tanto, una forma muy diferente de «sopa de anciana». El anciano no entiende la broma, y ​​entra el conejo, solo que en lugar de matar al tanuki, lo hace suyo de una manera bastante diferente. Esta es fácilmente la más obscena de las historias, pero también es la mejor parodia, hasta una referencia al castigo original y al bote de barro seco.

Similarmente, La reina de la Nieve capítulo sigue muy de cerca al original de Andersen, con la notable excepción de que Gerda es una pretendiente demasiado ansiosa por KAI‘s… digamos mano. Cuando una Reina de las Nieves con cambio de género implanta su hielo en KAIEn el ojo y el corazón de Gerda, Gerda se propone reclamarlo, en el camino se sale con la suya con el Chico Ladrón (originalmente la Chica Ladrón) y el(los) Príncipe(s) de la Primavera. La escena de Robber Boy conduce a la adquisición de animales por parte de Gerda para ayudarlo con la Reina de las Nieves, y la forma en que Kobayashi juega con los detalles es exagerada y muy divertida si has leído el original.

La principal mosca en el ungüento es que prácticamente nada de sexo es consensuado. Lo más cerca que estamos es en El pequeño cerillero, que por lo demás es una parodia muy divertida de la película lacrimógena original de Andersen. Matchboy, en lugar de morir congelado en una esquina gracias a su padre, usa sus fósforos y artimañas para atraer a los hombres a los hoteles, hacer que se duchen y luego salir corriendo con sus billeteras. Encuentra a su pareja en el cliente final, quien se toma muy en serio lo que cree que Matchboy ofrece. KAI y la escena de sexo de Gerda también es un poco turbia; KAI está poseído por los fragmentos de vidrio de espejo en su cuerpo, por lo que Gerda se encarga de salvarlo con sexo, pero la historia del título es sin duda la menos consensual en el volumen, con Red atando al lobo y luego el Cazador aprovechando el situación. No deja de tener sus momentos: «Abuelita, ¿por qué tienes un pene?» es una muy buena adición a la letanía habitual de preguntas de Red, pero incluso si eres fanático de los cuentos de hadas fragmentados, es posible que esto no funcione para ti si no es tu tropo romántico preferido.

El arte es decente y el sexo no es muy explícito: solo tenemos la silueta de un pene, y si la bruja y la Reina de las Nieves se parecen mucho, sus roles en sus respectivas historias son más o menos los mismos. (Digamos que la bruja no quiere ingerir a Hansel). El enfoque sexual principal está en los pezones, y ahí es también donde Kobayashi dedica la mayor parte de su atención artística; en serio hay un lote de detalle que hay en cada historia. Las páginas son generalmente fáciles de leer y la traducción es más fluida que algunas de Kobunsha/Hacer medios‘s licenciado en Derecho ofrendas, que siempre es una ventaja.

Como sea que lo llames, este volumen de fracturas licenciado en Derecho cuentos de hadas es muy divertido. Enfáticamente, no es perfecto y su principal problema es definitivamente no consentir, pero si eso no te molesta en tu ficción, es un momento entretenido.

Prisión visual – Revisión – Anime News Network

Hombre, ¿recuerdas el visual kei? Estaba de moda entre los fans del anime a finales de los 90 y 2000, cuando me metí en el hobby por primera vez. Los fanáticos hablaron sobre bandas como Malice Mizer y Dir en grey justo al lado de sus series favoritas a pesar de que no tienen ninguna conexión obvia, y la cantante travesti Mana, una gran influencia en el movimiento de moda Gothic Lolita, fue tan popular para cosplay como casi cualquier personaje de anime dado. Aunque el movimiento parece estar en gran medida en declive en estos días, al menos entre los fanáticos estadounidenses, prisión visual está aquí para recordarnos sus días de gloria.

Para aquellos que no están al día, puede ser difícil entender qué es el visual kei. Si le preguntaras a una docena de personas diferentes que lo describieran en términos de géneros musicales occidentales, obtendrías una docena de respuestas diferentes. Personalmente, lo llamaría algo así como un cruce entre el rock gótico y el metal en términos de sonido. La apariencia de los miembros de la banda también se enfatiza, de ahí la parte «visual» del nombre, y su ostentoso cabello, maquillaje y estilos de vestuario generalmente se encuentran en un continuo entre glam rock y, nuevamente, goth rock. Sus letras tienden hacia floridas expresiones de angustia, llenas de diversas metáforas sobre el dolor y el desamor. Se trata de grandes expresiones de grandes emociones, filtradas a través de un gran cabello y un elaborado maquillaje y vestuario.

Entonces, puedes ver por qué es un telón de fondo perfecto para lo que esencialmente se reduce a una serie de ídolos con vampiros.

Sí, sé que el visual kei como género musical no podría ser más diferente del brillante y superproducido mundo de la música de los ídolos, aunque los dos comparten un énfasis en la teatralidad y el espectáculo. Sin embargo, eso no cambia el hecho de que prisión visualLa estructura de la trama tiene muchas similitudes con la mayoría de las series de ídolos. Tienes grupos competitivos de chicos guapos en un continuo que va desde «bastante masculino» hasta «androginia total»; rivalidades y amistades entre grupos, incluido un par de gemelos porque nunca he visto una serie de ídolos masculinos que no tenga un par de gemelos; cero personajes femeninos importantes; y una estructura de trama que pasa los primeros dos episodios preparando las apuestas y presentando a los diferentes grupos, se asienta en un tramo mayormente episódico que combina la historia de fondo y los conjuntos haciendo el tonto, y finalmente alcanza su clímax cuando el elenco encuentra algún tipo de obstáculo justo antes del gran concierto.

He sido crítico con los programas de ídolos masculinos en el pasado, ya que tienden a operar en un nivel de hiperrealidad que encuentro alienante. La forma en que los personajes hablan, piensan e interactúan entre sí es una abstracción de una abstracción, a múltiples niveles de distancia de cualquier cosa que se parezca a la humanidad. Resulta, sin embargo, que cuando los personajes en cuestión son vampiros que realizan visual kei para una luna roja que solo ellos pueden ver, encuentro la extrañeza encantadora en lugar de alienante.

No me malinterpreten, todavía no lo llamaría necesariamente «bueno», pero ciertamente es divertido. ¿Vampiros antiguos cantándole música rock a la luna con mucho maquillaje y metiéndose en travesuras codificadas queer? Eso es campamento, bebé. Todo el mundo está pasando el rato en un centro turístico cuando Víspera le da un mordisco a una hamburguesa y es poseído por el espíritu de la vampira original Carmilla, que juega elaboradas bromas sobrenaturales? ¿Qué más podría ser eso sino campamento? ¿La declaración de que las mujeres no pueden convertirse en vampiros, a pesar de que hay múltiples personajes femeninos? Bueno, eso es tal vez un poco misógino, pero también, eso es campamento para mí. Hay mucho encanto en la forma en que la serie cambia salvajemente entre abrazar su tontería inherente y luego tomar su absurdo tan en serio, y me encontré riéndome la mayoría de las veces.

Para ser honesto, no puedo hablar de la calidad de la música para los fanáticos del visual kei: mis gustos en su apogeo iban más hacia L’Arc~en~Ciel y Haz como el infinito – pero como alguien que nunca fue profundo en eso, está… bien. Cada uno de los tres grupos tiene su propio estilo, que se relaciona con su imagen general. Me alegro de que Oz fuera la banda principal, ya que eso significaba que tenían la mayor cantidad de números musicales, y su estilo orientado a la balada funcionó mejor para mí que el sonido gruñido inspirado en el metal de Lost Eden o la teatralidad de Eclipse. Nada de eso es algo que escucharía por mi cuenta, pero en general lo encontré más musicalmente interesante que el número promedio de ídolos.

Las imágenes son, en general, tan fuertes como se esperaba para una serie producida por A1-Imágenes. Se inclina completamente hacia la estética vampírica/visual kei, definiéndose a sí mismo con una paleta de luces en su mayoría de color negro, rojo y azul para crear una atmósfera angustiosa y malhumorada. Los chicos (¿quizás? Realmente no hay ninguna explicación dada para Víspera o las identidades de género de Elizabeth) son hermosas, tanto dentro como fuera de su maquillaje escénico. En muchos de los episodios, el canto diegético se transforma en un video musical no diegético animado a mano, algunos o todos los cuales están guionizados por Naoko Yamada bajo el seudónimo de “Ando Ryu”.

Las representaciones teatrales, sin embargo, son una historia diferente. Sé que los equipos generados por computadora han recorrido un largo camino y muchas series musicales los han usado de manera muy efectiva, pero simplemente no funcionan aquí. Pueden ser geniales para coreografías muy pulidas, pero uno de los elementos fundamentales de la interpretación visual kei es su angustia cruda, o al menos la apariencia de ella. Los gráficos de computadora que usan para las actuaciones simplemente no pueden expresar el peso completo o el movimiento de un cuerpo humano, como cuando Ange se inclina hacia atrás para gritarle a la luna. Es genial en el OP, pero los animadores no logran replicarlo dentro del programa debido a sus herramientas.

Escucha, no voy a fingir prisión visual es para todos; por el contrario, probablemente solo atraerá a un pequeño subconjunto de fanáticos. Pero si te gusta el anime musical que no tiene miedo de ser raro y tonto, o si pensabas Micrófono de hipnosis Fue un buen momento estridente, entonces al menos dale prisión visual un disparo.

Revisión del volumen 1 de Wandance • Anime UK News

En 2012, la danza se convirtió en una parte obligatoria del plan de estudios de la escuela secundaria en Japón. Ahora hay más de 2000 clubes de baile de escuelas intermedias y secundarias, con más de 6000 miembros. El 5% de ese número son niños. El 95% son niñas.

Kaboku Kotani ha luchado toda su vida para expresarse con palabras; tiene un impedimento del habla y tartamudea, especialmente cuando está bajo estrés. Entonces, comenzar la escuela secundaria será un desafío, a pesar de que ya ha aceptado su problema, aunque se ha resignado a vivir con él. Pero luego ve a una chica de cabello rosa bailando sola y, paralizado, solo puede mirarla con admiración. Su nombre, descubre, es Hikari Wanda, ¡y ella está en su clase! Inspirado por su ejemplo, va valientemente al club de baile de la escuela, que es casi exclusivamente de niñas. Animado a unirse a la sesión de calentamiento por el presidente del club, On Miyao, pronto se da cuenta de que está fuera de su alcance. Todos lo están haciendo muy bien, ¡y yo apesto! Pero Hikari también está ahí, y ella tiene una forma de ayudarlo a creer en sí mismo que lo lleva a comenzar a experimentar y expresarse. Su estatura alta es ideal para el baloncesto, lo que lo convierte en la opción de club más obvia para él, pero no puede dejar de pensar en el club de baile y en Hikari. ¿Podrá superar su timidez y hacer una audición con Hikari para participar en la próxima competencia?

“Si normal es lo mejor que puedo esperar ser, no importa cuánto lo intente… entonces prefiero hacer lo que quiero, incluso si eso me hace ¡extraño!»

Cualquier manga ambientado en el mundo de la danza, el teatro, la música o el arte siempre captará mi interés y erecciónLa premisa de es intrigante. La publicidad on-line lo compara con Periodo azul y, supongo, tiene ciertas similitudes en el sentido de que presenta a un chico de secundaria que descubre que tiene un talento, y una necesidad, para la autoexpresión que abre un mundo completamente nuevo de posibilidades para él.

Coffee también crea ecchi manga/doujinshi bajo el nombre de Mame, pero este es el primero de su manga que se publica en inglés. Dedica muchos paneles a retratar a los jóvenes bailarines; las imágenes son a la vez esquemáticas y fluidas, dando hábilmente al lector una vívida impresión de movimiento. De vez en cuando, aprendemos junto a Kaboku las técnicas y estilos empleados por los bailarines más experimentados como el capitán del club: hip-hop, popping and lock, waacking… De vez en cuando la música utilizada se llama: “Lost in Japan” por Shawn Mendes & Zedd o “Finesse” de Bruno Mars, y es genial ver cómo los miembros del club de baile (y Kaboku) prestan tanta atención a la música que los inspira. Y aunque parte de la publicidad de la serie habla específicamente sobre el baile hip-hop, Hikari es destacada por sus compañeros como alguien original, alguien que crea sus propios movimientos, estilo libre, al igual que el presidente del club, On-chan, que entrena los miembros con muchos consejos útiles de su propia experiencia vivida.

erección (WonDance en la versión original) está traducido para Kodansha por Kevin Steinbach, quien también proporciona tres páginas de notas de traducción muy útiles y detalladas al final después del capítulo de bonificación: Kotani-Kun del Dance Club tartamudea. Las letras de Nicole Roderick son claras y transmiten los diferentes modos (habla, pensamientos, sfx) de manera muy efectiva. El texto incluye una extensión de dos páginas con imágenes individuales de todos los miembros del club de baile y un desglose paso a paso de un movimiento llamado ‘El Cangrejo’ como lo demuestra On-Chan. También hay cuatro atractivas páginas a color al comienzo que muestran el arte animado y sorprendente inspirado en la danza de Coffee.

erección es una serie en curso actualmente en ocho volúmenes en Japón; el segundo volumen ya salió de Kodansha, y el tercero está previsto para octubre de 2022. Después de un comienzo tan animado, será fascinante ver a dónde lleva Coffee a sus dos protagonistas en el mundo del baile de estilo libre.

Crazy Food Truck GN 2 – Revisión

A pesar de lo ‘Loco’ ahí mismo en su título, camión de comida loca, en este segundo volumen, realmente parece haberse asentado en una historia más fácil, exploratoria, al estilo de un diario de viaje. Por supuesto, es uno que todavía tiene tiroteos, explosiones e intrigas políticas post-apocalípticas, pero ese no parece ser el tono principal. dibujar capítulo por capítulo, ¿entiendes? Hay más revelaciones y desarrollos que expanden el mundo tanto de los personajes como de la historia en este segundo volumen que en el primero introductorio. Pero a excepción de los dos últimos capítulos del libro que ponen en marcha un arco narrativo real a largo plazo, todo sigue presentándose en un estilo contenido y episódico. Eso está bien, además es bueno ver que una serie como esta se sienta más cómoda con lo que es a medida que avanza.

Ese mismo sentido que tenía el primer volumen de Rokurou Ogaki complaciendo sus propios intereses en camión de comida loca persiste en esta segunda entrada. No contento con solo describir los esfuerzos culinarios postapocalípticos, Ogaki revela en las notas del autor de este volumen que ha desarrollado una afición por las saunas, por lo que tenemos un capítulo completo al principio que describe la cultura y la mecánica del baño. Es la indicación más inmediata de dónde camión de comida locaLas prioridades de continúan siendo mentira, ya que ese episodio comienza antes de que nos tomemos un momento para recordar cómo Gordon y Arisa salieron de su suspenso del primer volumen. Sí, las peleas ‘locas’ son geniales y todo eso, pero Ogaki realmente solo quiere comenzar a detallar las recetas de curry y el trabajo terapéutico con agua.

Eso es evidente incluso en cómo se presenta la ‘trama’ central en la historia. Kyle, el ex camarada de Gordon que ha servido como el antagonista perseguidor hasta el momento, tiene su propia compañera superpoderosa en la hermana pequeña de Arisa, Myna. Pero en lugar de lanzarnos a cualquier tipo de persecución o combate continuo, seguimos a Kyle con Myna en el reconocimiento, descubriendo nuevos detalles ambientales sobre el mundo post-apocalíptico, antes de establecernos para ilustrar la conexión de Kyle con Gordon a través de su apreciación compartida por el poder de cocinar (así como disfrutar de canciones tontas mientras preparan la comida). Todavía hay una pelea con un peligroso monstruo vegetal en este capítulo, por lo que no es como si esto fuera un compromiso total con la construcción de bajo perfil. Pero todo sigue siendo un ejemplo particular de las prioridades del libro por ahora.

Los diferentes capítulos de este volumen también funcionan de diferentes maneras. Una entrada pasa una parte de su tiempo introduciendo un nuevo personaje antagónico y detallando las explicaciones biológicas de un caracol raro que está cazando, lo que termina siendo preparado para ver el turno de Gordon para vender el atractivo de los caracoles, antes de que todo el asunto termine un poco. demasiado rápido para todo su esfuerzo con nuestros héroes alejándose fríamente de una explosión. Por otro lado, algunos detalles a los que se alude con el ritmo lento del volumen culminan en la revelación efectiva de que Gordon se enferma, lo que brinda una oportunidad para que Arisa muestre cómo ha crecido en su tiempo con él, e incluso tomar un turno en la comida. preparación ella misma. Ese es un avance que podemos apreciar en una historia como esta, en ausencia de más desvíos de series de acción convencionales. El enfoque temático unificador sobre las alegrías de la comida es algo que funciona, incluso si este volumen decepcionantemente carece de las recetas escritas que tenía el primer volumen.

Sin embargo, las cosas mejoran de manera más inmediata con los últimos dos capítulos de este volumen. Se ha repartido más información sobre el pasado militar de Gordon (y Kyle, por extensión), con varios personajes de entonces que regresan al presente. Establece una amenaza mayor para que tanto Gordon como Kyle se unan para oponerse a seguir adelante, aunque también es frustrante que, al hacerlo, Arisa tuvo que convertirse en una damisela secuestrada para que la rescataran, y justo después de su mejor lote de crecimiento. y el desarrollo del carácter, también. Dos pasos adelante y todo eso, supongo. Aún así, esa escalada, y el camión de comida titular incluso recibe una especie de encendido para lidiar con eso, se siente como el tipo de clímax cargado. camión de comida loca necesitaba impulsarse, especialmente con el entendimiento de que el próximo tercer volumen es donde realmente termina toda esta historia.

De todos modos, el arte de Ogaki sigue apoyando la historia muy bien. Las proporciones de los personajes, particularmente Arisa, parecen haberse asentado en ser más consistentes a lo largo del volumen. Y elementos como el árbol del embalse en el capítulo de enfoque de Kyle y Myna, los flashbacks de la era militar de Gordon, o el campo de batalla abandonado por el que pasa el camión de comida más adelante, le permiten a Ogaki flexionar sus músculos en su representación de variados elementos de fondo y ambientación. También presenta una fuerte narración visual, con momentos como una detallada doble página que comunica el impacto de la aparición repentina de un tanque enorme. En otro ejemplo, los paneles parecen romper momentáneamente la regla de los 180 grados, antes de que lo registremos rápidamente como una indicación de la revelación sorpresa de quién apuntó con un arma a quién. Estas breves indulgencias en lo ‘loco’ complementan las representaciones más apagadas, casi relajantes, de este viaje por carretera posapocalíptico para los amantes de la comida.

No estaba claro dónde camión de comida loca iba al principio, pero si terminaste bromeando con su ritmo más deliberado al principio, entonces este segundo volumen confirmará que toda la serie es absolutamente para ti. Y para aquellos que anteriormente esperaban una acción más escandalosa de la configuración, esta continuación explica por qué el estilo con el que terminó sigue funcionando totalmente. Es un aspecto tonal que honestamente hace que el manga se sienta aún más único, lo cual se aprecia en cualquier panorama del entretenimiento. no estaba seguro de camión de comida loca y hacia dónde iba al principio, pero ahora, irónicamente, me entristece ver que irá pronto, con solo un volumen después de este.

SPY×FAMILIA GN 8

¡Es el turno de Yor de brillar! Después de haber sido infrautilizado de manera criminal durante siete volúmenes, el volumen ocho se centra en Yor, quien asume la tarea de ser la guardaespaldas de una mujer y su bebé que huyen.

Revisión de obras adicionales • Anime UK News

A pesar de ser relativamente desconocido en los territorios de habla inglesa, el artista de manga Keiichi Koike se ha ganado una sólida reputación en lugares como Europa continental y su Japón natal por su trabajo único que te sumerge en lo profundo de la psicodelia de la década de 1960. En esta compilación de one-shots psicodélicos de ciencia ficción escritos entre 1984 y 2001, los lectores ingleses finalmente podemos experimentar tanto su puro talento como su rareza alimentada por las drogas.

Hay once historias únicas en este libro, cada una de las cuales ofrece algo completamente diferente en términos de tema, tono y mensaje. Por un lado, tienes los gustos de la escapada de espías duros. Golpeando en las puertas del cielomientras que por el otro tienes historias como la aventura post-apocalipsis nuclear 3000 leguas en busca de la madreo Looper, donde un niño se ve acosado por llevar a su mascota, una tortuga, a la escuela. Si bien esto puede no parecer particularmente extraño al principio, cada historia tiene una variedad de giros y vueltas que destruyen por completo tu comprensión de la historia debajo de ti o intentan confundirte mientras intentas descubrir qué está pasando. E incluso si cree que tiene algo resuelto, las resoluciones de muchas de las historias son mucho más mundanas de lo que esperaría que fueran, por lo que hay muchas sorpresas guardadas.

Si bien la mayoría de las historias que se ofrecen aquí están bien escritas, ocasionalmente hay una que no tiene sentido, en la que realmente luché por entender lo que estaba pasando. Estas tienden a ser las piezas más cortas, a veces de solo unas pocas páginas, que parecen provenir de una idea a medio cocinar que necesitaba más tiempo para establecer lo que estaban tratando de hacer.

Temáticamente, tampoco va a ser para todos. Muchas de las ideas aquí son muy abstractas y alucinantes, y tratan sobre la vida, la muerte y, a menudo, la crudeza de la emoción y el deseo humanos y, en última instancia, lo que significa ser humano. Si está interesado de alguna manera en la filosofía, entonces creo que puede encontrarla bastante fascinante, pero no culparía a nadie por que esto se les pase por la cabeza. También se debe enfatizar que esto es mucho más para audiencias maduras, no es que contenga mucha sangre y gore, pero muestra el uso explícito de drogas ilegales, mientras que hay algunas escenas que algunas personas pueden encontrar angustiosas, como representaciones de masas. suicidio y las secuelas de un accidente de avión.

Visualmente, este es un trabajo fantástico con obras de arte intrincadas y, a menudo, fascinantes que son ricas en detalles. Koike usa un estilo artístico muy maduro durante la mayor parte del libro, a menudo evocando más la imagen de los cómics occidentales que el típico estilo manga de tus lindas chicas de secundaria con los ojos muy abiertos y los héroes de acción shonen de pelo salvaje. Entonces tiene mucho sentido que una de las historias, Aterrizado, fue una pieza publicada en la antología Epic Illustrated de Marvel, ya que su estilo se adapta increíblemente al mercado occidental. Tampoco tiene miedo de saltarse la pista a veces, con piezas como Diario de Kenbo y Alcance estéreo apostando por estilos más cómicos tanto en el arte como en la historia.

Sin embargo, lo que más me impresionó es cómo puede contar una historia de manera efectiva usando solo imágenes, con algunas de las historias aquí con poco o ningún diálogo, siendo efectivo en piezas como La Generación Esponja y Horizonte, ya que te hace reflexionar más sobre el significado de la historia que se cuenta y las experiencias de los personajes.

Puerta del cielo: obras adicionales es publicado por Last Gasp, que no es un gran nombre en el mundo de la publicación de manga en inglés, pero ha lanzado series como Gen descalzo. El tratamiento que le han dado a este libro es excelente, con un libro de bolsillo de gran tamaño que tiene una sensación general de primera calidad y páginas gruesas y de buena calidad. El libro ha sido traducido por Ajani Oloye y se lee bien sin problemas a tener en cuenta.

General, Puerta del cielo: obras adicionales impresiona con un conjunto de historias fascinantes que profundizan en la naturaleza humana y el significado de la vida y la muerte, junto con obras de arte detalladas y maduras que muestran el talento de Koike y distinguen el trabajo de los lanzamientos de manga más típicos que vemos en Occidente. Sin embargo, su ejecución y el tema pueden ser demasiado alucinantes y confusos para muchos lectores, dejando solo un nicho muy pequeño que pueda apreciarlo realmente.

Revisión del volumen 3 de nuestra guía de viajes Not-So-Lonely Planet • Anime UK News

Es emocionante visitar un lugar que reconoces.

El diario de viaje alrededor del mundo que sigue las aventuras de Asahi y Mitsuki mientras visitan un país tras otro juntos ha llegado a un destino que es muy familiar para nuestros lectores en Anime UK News: ¡Londres! Y han llegado para quedarse con el viejo amigo de Mitsuki, Kaoru, justo a tiempo para recibir el Año Nuevo. Pero primero, quieren ver todos los sitios turísticos de Londres que conocen de las películas: el Palacio de Buckingham; Oso de Paddington en la estación de Paddington; Peter Pan en los Jardines de Kensington; que el andén de la estación de King’s Cross… y, por supuesto, tomar el té de la tarde en el Goring Hotel. Como el compañero de piso de Kaoru, Paul, tiene coche, al día siguiente todos se van a Edimburgo para admirar la capital de Escocia (y tal vez probar haggis… o no).

Detrás de todo el turismo, sin embargo, hay una cierta tensión. Asahi sigue insistiendo en que no deberían decirles a sus amigos o familiares que él y Mitsuki son pareja, hasta que, para sorpresa de Mitsuki, le admite a Kaoru que están juntos (su anillo es una especie de regalo). Luego, Paul, el compañero de piso de Kaoru, llega y, mientras conversan, revela que él también es gay. Cuando los cuatro se registran en un hotel en Escocia, Paul sugiere que debería compartir una habitación con Asahi y Mitsuki con Kaoru. Mitsuki no está del todo contento con este arreglo, pero le da la oportunidad de explorar con Kaoru cómo se siente acerca del viaje alrededor del mundo y qué sucederá cuando él y Asahi eventualmente regresen a casa.

Debido a los recuerdos que tienen lugar con Mitsuki y Kaoru, aprendemos más sobre cómo Asahi y Mitsuki se conocieron por primera vez en la escuela secundaria, y que incluso entonces había una atracción no expresada, aunque no pasó nada entre ellos hasta un encuentro casual muchos años después. .

De vuelta en Londres, los dos partieron en la víspera de Año Nuevo hacia la costa sur (me sorprende que el transporte público funcionara pero ahí estamos…) y una caminata vigorizante para ver las Siete Hermanas. No es de extrañar que estén demasiado exhaustos para ver el Año Nuevo cuando llega la medianoche desde el Big Ben y comienza la exhibición de fuegos artificiales.

La siguiente parada es Barcelona y los tesoros arquitectónicos diseñados por Gaudí, empezando por la Sagrada Familia (todavía en construcción), antes de reunirse de nuevo con Paul, que está en España por negocios, para tapas, paella y sangría, y una conversación sincera. . El inglés de Mitsuki todavía no es muy bueno, por lo que Asahi tiene que seguir traduciendo… y Paul tiene una confesión sorprendente que hacer.

El próximo destino en este volumen es Marruecos (y un saludable recordatorio de Asahi a Mitsuki de espíritu libre de que en este país las relaciones entre personas del mismo sexo son ilegales) y luego un viaje al desierto del Sahara, ¡incluyendo paseos en camello!

No hay duda de que los lectores del Reino Unido estarán especialmente ansiosos por leer este volumen para ver qué hacen Mitsuki y Asahi de su viaje a nuestras costas (¡también en invierno!). Sin embargo, debido a que Mone Sorai nos muestra un país tras otro a través de los ojos de sus dos protagonistas, es tanto la historia de su relación en evolución porque, como dice el viejo dicho (cortesía de Neil Gaiman), «Dondequiera que vayas, te llevas a ti mismo». contigo.» Entonces, dado el miedo de Mitsuki a volar, subirse al London Eye se convierte en una pesadilla para él (¡me identifico!) mientras se sienta temblando entre Asahi y Kaoru, incapaz siquiera de mirar la maravillosa vista de Londres de noche muy abajo.

Este volumen dedica tiempo a explorar cómo se sienten Mitsuki y Asahi al recordar su primer encuentro en la escuela secundaria y cómo ha evolucionado su relación. El hecho de que ambos estén hablando (por separado) con Kaoru y Paul, respectivamente, nos da sus diferentes perspectivas y es muy revelador. Asahi todavía es presa de la ansiedad cuando se trata de cómo reaccionará la gente a su relación con Mitsuki y Mone Sorai siembra algunas pequeñas semillas de duda en la mente de sus lectores sobre si los dos hombres superarán el viaje y regresarán a Japón como se comprometieron. unos a otros como estaban cuando se fueron. ¿Se llevará a cabo esa boda prometida? Echamos un vistazo a los mensajes de texto de Asahi de su madre y su hermano y nos damos cuenta de que ha estado evitando comunicarse con ellos. ¿Tiene miedo de que lo desaproben?

Las habilidades artísticas de Mone Sorai impresionan una vez más en sus intrincadas representaciones de la Sagrada Familia (por dentro y por fuera), pero igualmente en los bocetos de La Boquera y sus tentadoras exhibiciones de comida. Esta historia siempre ha sido sobre el deseo de los dos viajeros de explorar nuevas experiencias gastronómicas en todo el mundo, así como de disfrutar de todos los lugares de interés, y nuevamente, no decepciona. (Aunque el ‘fish and chips’ figura más de una vez en el menú, ¿adivinen en qué país?) También hay un capítulo de Bonus Trip al final.

La traducción de Tokyopop vuelve a ser de Katie Kimura y trata sin esfuerzo (como antes) todo el vocabulario de los nuevos países visitados: Gran Bretaña, España y Marruecos. La versión digital se revisa aquí (como con la mayoría de los nuevos títulos de Tokyopop) el libro físico a continuación, en este caso en enero de 2023.

Este es otro volumen divertido de leer en la serie animada de Mone Sorai, con mucho sobre la comida de los países visitados, así como pequeños fragmentos de historia y cultura. También presenta un retrato realista y creíble de una relación entre personas del mismo sexo que navega por los altibajos de vivir y viajar juntos y se destaca de muchos otros manga LGBTQIA+ en este sentido. Recomendado (y, dada su calificación para adolescentes, accesible para lectores más jóvenes).

El próximo volumen aún no está disponible en Japón, pero el último capítulo se puede leer en japonés por un corto tiempo en MAGCOMI (Mag Garden Online): La forma en que caminamos en la Tierra – Soraimone / Episodio 27 | magcomi

Ragna Crimson GN 6 – Revisión

Si el ritmo del último volumen se sintió más lento de lo que le hubiera gustado, entonces está listo. Ragna Carmesí El volumen 6 pisa el acelerador y no se detiene hasta que golpeas la contraportada. Si bien aprecié los momentos de los personajes que obtuvimos en el Volumen 5, no es difícil ver que aquí es donde Ragna Carmesí realmente brilla: secuencias de combate implacables y escandalosas entre monstruos gigantes y guerreros sobrenaturales.

El gran atractivo de este volumen es la pelea entre Ragna y Taratectora. Lo que realmente me atrajo es la magnitud del conflicto que se muestra. En volúmenes anteriores, Ragna ha luchado contra dragones superiores que no se ven ni se sienten exactamente como para el papel. Claro, los dragones menores y medianos parecen dragones de fantasía genéricos, pero tienden a ser asesinados en masa. Pero los principales oponentes a los que se enfrenta Ragna a menudo no se parecen mucho a los dragones en la forma de su cuerpo o en sus conjuntos de poderes. La mayoría de los villanos parecen personas (aunque de alguna manera extraña) y tienen poderes sobrenaturales que abarcan toda la gama de habilidades mágicas y extrañas. Si bien no tengo ningún problema con eso, hace que los dragones superiores se sientan como… bueno, cualquier otro villano que puedas encontrar en el género de acción y fantasía, «El tipo extraño invoca poderes de tormenta» no le grita exactamente a un dragón. mi mente.

La pelea de Taratectora es una gran excepción a esta tendencia, y es genial. Por un lado, parece muy similar a los enemigos nombrados anteriormente que Ragna ha enfrentado. Tiene forma humanoide, y aunque despliega algunos poderes únicos, no se ve terriblemente draconiano: se parece más a un insectoide alienígena gigante o a un escarabajo acorazado que a un dragón tradicional. Pero lo que tiene sobre sus predecesores es escala – su tamaño masivo lo hace empequeñecer a toda oposición anterior.

Solo este factor de tamaño hace que la pelea se destaque como una de las más emocionantes de la serie hasta el momento. Las batallas en las que Ragna y Crimson se han involucrado anteriormente fueron grandes en el sentido de tener hechizos masivos, innumerables bajas e impactos trascendentales, pero puedo encontrar muchos manga con esas cualidades. Tener a Ragna de tamaño muy humano luchando contra la monstruosa Taratectora lo convierte en una experiencia atractiva y única en comparación con lo que ha sucedido antes. Taratectora domina cada fotograma en el que se mete y cada página de inicio que atraviesa, un enorme muro de poder blindado que hace que Ragna parezca minúsculo en comparación. Esta es la amenaza abrumadora de los dragones manifestada, alzándose sobre la extinción de estos seres menores.

También ayuda que básicamente termine convirtiéndose en un manga kaiju por un tiempo, lo que coincide muy bien con mis intereses particulares. Además, lo que está en juego también es más alto para los dragones; esta no es una pelea fácil y sin la magia de control de tiempo como una carta para salir de la cárcel, también hay una verdadera sensación de peligro para los malos. Esto hace que la batalla parezca mucho más crítica para ambos lados en lugar de un ejercicio de futilidad innecesaria que trabaja hacia una conclusión inevitable.

A pesar de mis dudas sobre el volumen anterior, el Volumen 6 en realidad hace un mejor trabajo al hacer que los dragones se sientan atractivos. Simplemente tener apuestas hace maravillas para estos personajes, pero es más que eso. Hay muchas más bromas interesantes entre ellos, con expresiones más animadas y trozos tontos de comedia para romper con la seriedad de todo. En lugar de «ay de mí, debo hacer la voluntad de Dios y también soy invencible», existe la sensación de que podría haber pérdidas genuinas para los dragones y que no están trabajando en perfecta armonía. ¡Tienen algo de piel (o mejor dicho, escamas) en el juego! Ahora estamos hablando.

Por el contrario, hay menos momentos de construcción de personajes para nuestros héroes, pero eso no es demasiado sorprendente. El último volumen dedicó su tiempo a desarrollar el elenco humano y darles el centro de atención, por lo que es hora de luchar, luchar y luchar en todo el volumen. Aparte de la pequeña y adorable baba Ratatoille que peina el cabello de Ragna, la mayoría de los momentos de carácter de nuestros héroes consisten en gritos de órdenes y rechinar de dientes entre golpes de espada.

Honestamente, no hay mucho que criticar sobre el volumen. La historia avanza, hay mucho en juego y los personajes son atractivos. El arte es increíblemente hermoso como siempre, con el tipo de manga que es tan consistentemente excelente que me deja sin palabras. Realmente es cada página una pintura.

El único inconveniente menor que se me ocurre mencionar es que Crimson no aparece mucho en este volumen. La forma en que eso afecta tu disfrute del volumen variará dependiendo de cuánto te guste Crimson, pero para mí, la ausencia es notable. Las travesuras de Crimson son tan divertidas como tortuosas y, a menudo, sirven como una válvula de liberación de presión en un trabajo que, por lo demás, es muy intenso y sombrío. Si está aquí principalmente por la mitad Crimson del dúo principal, encontrará que este volumen le brinda poco más que sobras de mesa, pero el resto de lo que está aquí es tan atractivo que no creo que lo arrastre demasiado. .

Supongo que en este punto soy un converso completo. No puedo esperar para tener el siguiente volumen en mis manos.